Las fieras que han residido en la cabeza de Roberto Cavalli y que han sido plasmadas en sus sofisticadas y excesivas prendas desde inicios de su carrera, parecen haber sido liberadas por el diseñador ahora en las redes sociales.

"La moda...es una gran máquina de hacer dinero !! Ya no hay más creatividad ! En 50 años los libros de moda ... NO VAN A TENER NADA QUE DECIR SOBRE NOSOTROS" es uno de los tantos tweets que se puede leer en la cuenta oficial del maestro quién, emocionado, ha declarado, será usado para escribir sólo verdades que den a conocer su calidad de persona y al parecer, su posición ante la industria.

A primeras, parecería un movimiento que resultaría arriesgado para algún emergente o frágil diseñador pero, para el una vez considerado sucesor de Versace y uno de los diseñadores más influyentes del mundo, no parece importarle la repercusión que podrían tener sus declaraciones si a final de cuentas, su maravillosa línea está perfectamente posisionada y facturando.

Los tweets, escritos en inglés y con encantadores errores ortográficos no hacen sino, ensalzar la imagen soberbia y a la vez cálida del diseñador -que una vez eligió estudiar modas  para conocer chicas lindas y quien hoy afirma que resultó con muchísimos colegas homosexuales- arremeten contra el sistema político y comercial que parece imperar actualmente. Su rabia contra el estado y curso que lleva la decadente moda, le llevó igualmente a lanzar sin misericordia opiniones contra personas influyentes en el círculo, dando nombres como si se tratase de un cantante de rap -a quienes vistió constantemente en los 90s- dejando a la luz, la avaricia de aquellas personas que custodian el negocio.

Aquella epifanía que pareció vivenciar Cavalli -y de la que se desconoce el motivo aparente que le llevó a predicar en twitter-, ha servido para levantar interrogantes sobre la artificialidad preponderante en la moda, el estancamiento de algunas casas por la falta de libertad, la interpretación del afrancesamiento por personas ajenas a Francia; en fin, un resumen en 140 caracteres de lo que yo he estado haciendo en un año en más de 25 posts reafirmado mi posición, propósito y llenándome de fuerzas para con éste blog. Gracias, Sr Cavalli.

Con la entrada de Raf Simons como director creativo de la casa de modas 'Christian Dior', se confirma el inicio del Nuevo Orden que se está llevando a cabo en el círculo internacional de la moda.

Al igual que en política, el 'Nuevo Orden' hace alusión a la reestructuración y cambios no sólo en las ideologías, sino en la forma en la que será repartido el "poder" a un selecto grupo de dirigentes/diseñadores que se encargarán de mejorar el periodo en el que se encuentran inmersos ó, si es el caso, de crear uno nuevo.

La elección de Raf Simons como diseñador cabeza de CD, una de las casas más prestigiosas del mundo representa, entonces, un paso abismal en el devenir de la moda debido a que su interpretación y trabajo serán escenciales desde el día que presente su primera colección, a diferencia de su trabajo en Jil Sander dónde, a pesar de haberse destacado de manera impecable, es prudente decir que el renombre de la casa parisina y la atención que recibirá, le convertirá evidentemente en una potestad en el círculo.

Cada -aproximadamente- 20 años se lleva a cabo esta tenebrosa reorganización y desde hace unos dos años se discute quiénes serán los próximos dioses que velarán por las casas que se les asigne o los que se levantarán con sus propias. Riccardo Tisci se alza como el actual nóvel más exitoso de todos y se rumoraba que entraría a Dior; Haider Ackermann de repente es una estrella y Karl Lagerfeld le tendría en cuenta cuando necesite un sucesor en Chanel. Alexander McQueen desaparece, criogenizando un futuro que parecía hacer de la moda y la tecnología un mismo concepto y entonces le reemplaza un ansioso Gareth Pugh quién se ha encargado de ir afianzando las anteriores mencionadas.

Haciendo un paralelo con el pasado, 1996 fue un año decisivo para la moda porque se gestaba un 'Nuevo Orden'. El arquitecto de la moda, Gianfranco Ferré, era despedido de Dior otorgándole el lugar a John Galliano quien dejaba Givenchy en manos del desaparecido Alexander McQueen quién sólo permaneció 3 años para abrirse con su propia casa; Marc Jacobs era nombrado diseñador cabeza de Louis Vouitton; Tommy Hilfiger se tambaleaba en su imperio al rumorarse, haber lanzado mensajes racistas contra Oprah (que no dieron paso a un despido como pasa hoy en día), a Lagerfeld y su tropa de supermodelos no les movía nadie de su trono, ni a Miuccia ni a Gianni ni a Giorgio, aún cuando estos dos últimos junto a Ferré se les haya visto envueltos en escándalos relacionados con patrocinios económicos por parte de la mafia italiana. Jean Paul-Gaultier quien hoy no brilla tanto como antes (precisamente por el espacio que se le está dando a nuevas promesas), diseñaba 954 trajes para la película 'El Quinto Elemento'.

La diferencia entre los elegidos de hoy con los de otrora dista enormemente por razones arraigadas a la libertad. Si hace 16 años, los diseñadores podían crear libremente mantiéndose en los parámetros de la casa, los de hoy, en cambio, son vigilados constantemente por los grupos detrás de ellos que cuidan el patrimonio económico de las casas y cada decisión primero debe ser aprobada por los grupos que les controlan.

La principal razón de este ajuste de pantalones es tal vez la acelerada época en la que se encuentra el mundo. La vertiginosidad de la tecnología y el fácil acceso y desecho de información hace que sea necesario un cambio en el modus operandi de los diseñadores y sus respuestas sean más rápidas y ajustadas a lo que el consumidor quiere, porque así funciona la moda de hoy: El consumidor manda y exige una reinterpretación del lujo en piezas más simples pero igualmente innovadoras. El nuevo orden propondrá el redescubrimiento y valorización del lujo a través de las piezas austeras y tecnológicas.

Desconozco si Simons se ha hecho en Dior a sabiendas que el recorte de presupuesto le hará centrar su visión en una propuesta más simplificada y acorde a la austeridad que reina y reinará o si es precisamente por eso que se sentirá más seguro trabajando de esa forma, porque simplemente ajustará la visión minimalista que ejerció en Jil Sander a los patrones de Monsieur Christian. Mi máxima es "entre menos tengo, más doy" y quizás también sea la de Raf quién ha sido el primero en atender el llamado que clama la moribunda moda y de quién su trabajo en su nueva casa dependerá la subsistencia de cientos de casas de moda rémoras que esperan las órdenes del nuevo dictador.

Aún faltan casas por ser ocupadas. Seguro en unos 2-3 años o menos, con la rapidez en que se mueve el mundo, otro diseñador se alzará como un grande. Los desauciados rezan por el próximo prodigido de la Central Saint Martins, pero mientras tanto disfrutan las brisas que parecen refrescar el ambiente pestilente aún cuando faltan muchas más cabezas por rodar.

John Waters encabeza la lista de mis directores favoritos de cine. Su trabajo, que carece de efectos especiales, guiones profundos y forzados, opta por convertirse en una antitesis del paradigma que envuelve el séptimo arte: "la belleza de los personajes con finales felices", presentando en cambio, personajes crudos y auténticos que concluye, con finales que si no son trágicos, son al menos, realistas.

Cada que se menciona el nombre de éste director, a los que conocen su obra, se les viene como primer referente 'Pink Flamingos', esa película que pasa a la historia por su famosa escena donde una madre le practica sexo oral a su hijo y que se supera a sí misma a lo largo de hora y media con escenas perturbadoras que logra ruborizar hasta al menos moralista. La crítica le ha considerado como "una de las películas más estúpidas, viles y repulsivas jamas filmadas". Ya con ese honor, sabemos que si no estamos en frente de un genio, al menos estamos en frente de una genialidad; sin embargo, para este no-humilde servidor, Pink Flamingos no es la obra maestra del gran John Waters, lo es 'Female Trouble', que además de ser también una de sus películas de culto, es una película propia de un genio.

Hasta el día de hoy quiero pensar que John Waters tenía eso en mente, el hacer una película que adquiriera un valor de reflexión con el pasar de los años, que se preservase en el tiempo tocando un tema que no era propio de la época y tal vez por eso fue tan malinterpretado. John Waters con 'Female Trouble' es un ejemplo claro de lo que es ser un visionario.

'Female Trouble' cuenta la historia de Dawn Davenport, una chica rebelde aburrida de su escuela, de sus padres, de su vecindario, de su vida moralista que en cambio, prefiere una vida de delincuencia y prostitución junto a sus amigas Concetta y Chiclette al irse de su casa luego de que sus padres no le dieran de regalo de navidad, unos zapatos 'Cha-cha'.

La vida de Dawn comienza a cambiar cuando le recomiendan ir a un salón de belleza dónde sólo atienden "chicas especiales" (entiendase por esto, chicas del bajo mundo con antecedentes delincuenciales) y conoce a los dueños, una pareja de excéntricos obsesionados con las bellezas bizarras. Dawn, con su expediente, su porte chocante y su sed de fama es, evidentemente aceptada como miembro del salón privado 'Les Lipstick'.

Para hacer justicia a su estatus de belleza asombrosa, Dawn mantiene un closet lleno de prendas maravillosas de las que seguro Thierry Mugler, McQueen, Alaïa y hasta Bob Mackie quisieran haber sido los creadores y de las que seguro muchísimos se han inspirado en las últimas dos décadas, como el vestido de la 'Tia Ida' interpretada por la recordada Edith Massey.
Eso es precisamente uno de los encantos de la película: la ropa. Los escenarios y las tomas son tan cerradas que el decorado se hace invisible y los personajes toman importancia por lo que cada detalle en el aspecto físico es (des)cuidado.
La actitud chabacana y auténtica de Dawn Davenport llama la atención de los dueños del salón de belleza quienes le proponen ser parte de un experimento; para ello, le piden que no piense en ella misma como un "conejillo de India" sino en "un cerdo de Guinea". Y es aquí donde la película comienza a adquirir otro caracter.

El film se convierte en una reflexión de arte sobre los supuestos artistas, fotógrafos y bohemios emocionados con la vida destructiva de personas ajenas a ellos y el encanto que produce su tragedia, sin mencionar, el escape al tedio de una vida aburrida, al elegir la premisa de "la mentira es belleza y el crimen es belleza" que es prácticamente la base del arte contemporáneo.

La documentación gráfica llevada a cabo por la pareja de artistas, es superflua y distante al aprovecharse de la vida de sus objetivos para registrarles actuando como simples espectadores y no como parte de la obra misma, quedando implícito al momento en que cada escena caótica de la vida de Dawn les emociona y genera un morbo tan exagerado, que nisiquiera con ácido en su cara, le socorren sino que le registran fotográficamente. Esta película, se convierte en un espejo de la forma en que muchos artistas de antaño se "ganaban la vida", a través de la pornomiseria, que es el morbo que genera la desgracia ajena.

La vida de Dawn, ahora con su cara desfigurada, se hace cada vez más excesiva como la de las musas de la época y lleva a cabo acciones tan ridículas como ingerir eyeliner y cepillitos de rimel "para elevar su belleza desde adentro" y para preparse para su introducción al mundo del espectáculo como "obra de arte andante".

La noche del 'performance' de Dawn Davenport, se convierte en el momento cumbre de ésta reflexión de arte y en la evidencia perfecta, del avance intelectual de John Waters quién, teniendo en cuenta que ésta película es de 1974, explica perfectamente el uso que se le vendría dando a la imagen fotográfica en la presentación de la vida real como nueva corriente de arte que si bien era una actividad morbosa y llegó a elevar a Arbus, Mapplethorpe, Serrano, a Goldin y a muchos más a la estratósfera del arte mucho antes del nuevo milenio, hoy se ha convertido en una actividad y en una excusa para muchos fotografos que se creen artistas cuando, a diferencia de los mencionados, no se involucran con los objetivos sino que se mantienen como reporteros gráficos, como simples turistas.

Tener a un selecto grupo extasiados con Dawn Davenport mientras hace cosas tan insulsas como saltar en un trampolín y restregarse pescados en el cuerpo como si eso fuera arte, explica claramente el estado extraño en el que se encuentra sumido el mismo; al parecer, no sólo hoy sino también en 1974 tener 3 piedras y un pepino ubicados simétricamente se considera arte -entiendase por esto que cualquier cosa es arte- y el público ya sin entendimiento, para disimular la ignorancia no le queda de otra sino aplaudir.

Davenport interrumpe y lanza las preguntas del millón de dolares: ¿Quién quiere ser famoso? ¿Quién quiere morir por el arte? y es cuando el performance se ha interactivo al dispararle a varios del público creando terror en la audiencia; algo muy parecido a una obra de Abramovic quién dispuso una pistola en uno de sus performance para el que quisiera usarle y claro, nadie la disparó porque eso no pasa en la vida real.

Luego de huir de la ley, es arrestada y llevada a corte. Sus creadores, los dueños del salón y fotógrafos -como en la vida real- le dan la espalda negando ser artistas y rechazando la apariencia horrenda que una vez le alabaron.

Claramente Dawn es la verdadera artista aquí, quién, aún en su ignorancia y cinismo comprendía el poder que puede generar una imagen auténticamente fabricada y el orgullo de acciones que moralmente no están bien consideradas, como matar a su propia hija. Dawn entendía perfectamente el valor de la vida, de la muerte y de la fama aunque sea como una asesina. Para ella, mejor eso que morir siendo una DonNadie y ya en la silla eléctrica -su destino- agradece a la prensa y a todos aquellos que ayudaron a ensalzar su imagen como futura leyenda y piden que siempre hablen de ella y nunca le olviden que es ciertamente, lo único que a todos nos importa mientras estamos vivos: que nos recuerden cuando estemos muertos.

He decidido postear algo distinto aquí en MF dado que estoy liadísimo con un trabajo y porque me siento caritativo y muy dador y me parece que este post va con la línea que llevan mis anteriores.

Me he tomado el trabajo de traduccir una conversación entre Terry Jones, fundador de la revista i-D -que todos deben conocer por sus famosas portadas ocultando el ojo derecho- con Nick Knight, fotógrafo y creador audiovisual realizada para el libro i-D Covers 1980 - 2010. 

La conversación abarca la temática de la posible obsolencia de la fotografía de moda con la entrada de los nuevos medios y posibilidades para con la misma.

Terry Jones: Explícame la portada de Gemma Ward (The Nationality Issue, No 259, Octubre 2005) No era una fotografía?

Nick Knight: No, fue hecha usando tecnología de escanéo 3-D, con la que he estado trabajando hace un tiempo, porque es emocionante y la computadora hace cosas muy creativas. El computador no puede juzgar si es un reflejo de un objeto, sólido o si el objeto está avanzando a través o retrocediendo del lente, así que el computador aproxima la información. Así obtienes un voluminoso mapa de relieve de grumos, levantamientos y contornos generado por el computador y una imagen fotográfica que es aplicada sobre
estos. Basicamente, lo que tienes es al computador inventando una realidad, el cual es un concepto bastante divertido.

TJ: Entonces Gemma tuvo que recostar su cara sobre el scanner?

NK: No, ella se sienta en una silla y el scanner pasa alrededor de ella, algo muy ciencia ficción, y envía un
rayo directo alrededor de ella, el cuál es genial de filmar.

TJ: Lo filmaste?

NK: Sí, nosotros filmamos virtualmente todas nuestras sesiones. Eso comenzó alrededor de 1998 por algo fue Andy Knight (un asistente) dijo - que una sesión de fotos era algo fantástico de ver y que es una lástima que sólo 7 personas en el estudio sean los únicos que lo hagan. Después de eso, comenzamos a colocar una video cámara sobre un trípode al fondo del estudio, y le deciamos a todos: "Hay una video cámara, les parece bien?" Luego ellos se olvidaban de eso y obtenías un film tipo mosca-en-la-pared muy interesante sobre lo que pasaba en las sesiones. Para mediados de los noventas, estábamos grabando regularmente y para el año 2000, grabábamos con múltiples cámaras. Antes se trataba de simplemente grabar todo, y después se convirtió en algo que noté tenía más valor y por lo tanto, un propósito.
Con la llegada del Internet, y mi website SHOWstudio, había un lugar para colocar estas grabaciones. Los antiguos videos sobre moda no funcionaron realmente en los teatros de cine porque el tiempo era tan largo, así que esto se convirtió en otra razón para hacerlos.
Comenzamos esto porque me preguntaste sobre Gemma. Interesantemente, tu puedes tomar la información del scan 3-D y puedes crear la portada de i-D como yo hice con Gemma o puedes voltearla y hacer una escultura. Puedes hacer un objeto que quepa en tus manos o puedes tenerlo del tamaño de un edificio. Puedes hacer lo que sea con ella, porque ahora es información, y esa información puede ser un objeto
de 360°. El proceso - la relación física y visual con la modelo - es la misma que tomar una fotografía convencional. Dirigí a Gemma de la misma forma, respondo a sus emociones y composición espacial de la misma manera, excepto que en vez de disparar un botón y obtener una vista, obtienes una vista 360°. Claro que se puede tomar y colocarla en Internet y darle la vuelta, pero también puedes crear estatuas a partir de ella. No hay nadie esculpiendo un bloque con cincel y martillo, pero aún así terminas con una representación física de la vida. Creo que esta nueva raza de escaneo 3-D es muy emocionante y traerá una nueva forma de mirar las imágenes de moda, o puede que tal vez sea un callejón ciego. Pero pienso que una vez la gente pueda usarla, y emocionarse a través de ella, ellos encontrarán los usos para la misma. Yo he hecho dos o tres esculturas. La escultura no viene de la fotografía, pero es escultura basada fotográficamente.

TJ: Pienso que es increible que en tan corto tiempo, tanto haya cambiado desde la perspectiva de tecnología. Al final de los noventas todavía estabas haciendo Polaroids y había todavía un nivel de misterio.

NK: Comencé a usar una cámara 10x8 alrededor de 1989. La película iba directo al laboratorio para ser revelada y colgaba las Polaroids 10x8 en el fondo de la pared, así era como mi proceso tendía a ser. Mas o menos en un periodo de tres días, tenías un papel tapiz hecho de cientos de Polaroids, y todos - la modelo, estilista, peluquero, artista de maquillaje y asistentes, se paraban en frente de ellas y expresaban sus opiniones. A veces ellos veían cosas que yo no veía en las imágenes. Al momento de tomar fotos, uno no percibe realmente cada detalle; creo que es una interacción emocional la que ocurre, tu dejas de ver a cierto punto y comienzas a sentir. Las Polaroids proveían una forma de, en parte, escrudiñar la fisicalidad  de la
imagen y tu podías decir, "La luz es muy fuerte o lo que sea, y era también una forma de alentar al equipo alrededor tuyo a expresarse a ellos mismos. Eso para mi se convirtió en algo nutritivo porque entonces veía mis imágenes desde sus ojos. Ahora es pesado porque instantáneamente las imágenes pasan al monitor de una computadora. Yo podría colgar una Polaroid y mirarla por veinte minutos si quisiera, ahora una imagen aparece en la pantalla y después la siguiente, la siguiente y luego la que sigue y regresar a esa primera foto siempre es difícil. No puedes regresar a la primera foto, o ver la segunda y la quinta al mismo tiempo, a menos que estés imprimiendo todo. Eso es lo que terminamos haciendo ahora - tomando treinta o cuarenta
fotos de la sesión recien capturadas e imprimiéndoles. Entonces terminas con estas imágenes casi del mismo tamaño de las viejas Polaroids, colgadas en la pared otra vez. Eso abrió el proceso de una forma diferente, ahora todo el mundo en el estudio ve exactamente cómo será la foto más o menos, en una pantalla como si pasara aún antes que el fotógrafo la hiciera, porque de hecho estás mirando a través de la cámara o mirando a la modelo pero estás escuchando a las personas reaccionado a ella antes de que uno tenga en el tiempo de tomar y evaluarla como el momento en el que estás viviendo. No estoy seguro si así seguirá funcionando por abre el proceso de una manera diferente. Si lo miras de forma negativa, tal vez digas que eso devalúa el rol del fotógrafo o le quita el poder que tuvo el fotógrafo sobre la imagen por adelantado.

TJ: Ya no tienes esa sopresa cuando tenías esa Polaroid y había magia en ella.

NK: Es un tiempo diferente ahora y pienso que las cosas están cambiando. Hay una re-evaluación de la moda e imágenes y el uso de imágenes de moda. Por el Internet, la gente ahora habla sobre grabaciones de moda, y si es lo que reemplazará la fotografía de moda. Estamos en un periodo de transición que es casi parecido a cuando la pintura pasó a la fotografía; debo imaginar que hay grandes discusiones ahora sobre la impresión versus filmación. Creo que el film de moda tiene algo nuevo que ofrecer, el cual es un mejor entendimiento de la ropa. Creo que es un medio el cual es ciertamente en su infancia, así que es difícil dar
opiniones definitivas. Ciertamente es mejor para el medio del Internet, porque puedes hacer algo que mueva la ropa, porque ellas fueron diseñadas para el movimiento, asi que sigue muestra que la mejor forma de mostrar ropa es a través de una imagen en movimiento que una imagen fija.

TJ: Es en definitiva lo que esoy pensando para i-D

NK: Esa es la base de lo que estamos viendo ahora. Creo que el fotógrafo de moda es una raza moribunda.

TJ: Creo que el poder y valor de la impresión como medio físico, opuesto al Internet, el cual es un medio
transitorio, simplemente incrementará. Creo que aún falta mucho por explorar. En 1980, participé con esta empresa llamada Catalyst e hicimos una revista en VHS de una hora, pero era difícil hacerla funcionar. Hoy esa idea puede ser hecha en la habitación de cualquiera, así que pienso que nos estamos acercando a esa idea de revista en movimiento.

NK: En térmidos de qué pasará en el futuro y ver cómo vivirá la gente en este mundo, tengo tres hijos y todos en su adolescencia que no miran para nada las revistas. De hecho, no hay razón alguna para hacerlo, porque las revistas son consideradas como lentas. Tu abres una revistas y no te habla y no puedes interactuar con ella. No hay ruido, imágenes que se mueve y nada cambia. Pero tu vas al Internet y de repente estás hablando con tus amigos y estás descargando películas, y es interactivo, y las cosas
toman vida. Sólo es un mundo totalmente diferente.

TJ: Todavía pienso que hay valo en algo físico, como un álbum o revista a la que puedes volver. Creo que fue esa forma de coleccionar información y guardar mucha de ella en tu cerebro. Hoy pienso que la gente está usando el computador para coleccionar y guardar información.

NK: Yo no tengo ningún interés particular en decir que la fotografía va de salida y los films van de llegada, pero creo que es la verdad.

TJ: Yo creo que los gadgets como este pequeño Flip son increíbles; digo, para mi son las nuevas Polaroids.

NK: Ves, eso es lo que pasa; Si yo te digo que vinieras con una cámara fija no lo habrías hecho pero con una video cámara es mucho más accesible.

TJ: He estado usando esta tipo de cosas desde 1986 cuando tuve mi primera video cámara.

NK: Pero estás más relajado ahora.

TJ: Totalmente.

NK: Es muy dificil regresar a ese camino. Con fotógrafos como William Klein, por ejemplo, tenías la sensación que iban con la velocidad del cambio. Se sentía como una revolución. Ya no es así; ahora se siente como si quisieras forzar a la gente a abrazar un medio que ya está crujiente, moribundo y en sus últimas horas.

TJ: Pero tu no capturarías nunca la energía de un William Klein en una video cámara Flip.

NK: Pero capturarías algo más. Creo que hay que ser más entusiastas con el futuro.

TJ: Yo creo que hay que vivir en el momento.

NK: Sí, y eso se convierte en un debate para los que no están, de hecho, haciendo nada. Las personas que están haciendo cosas, lo llevan bien porque quieren hacerlo. Así que si ellos quiere crear vestidos y colocarlos en Internet, o hacer films en vez de fotografía, a ellos no les importa, ellos no preguntan, simplemente lo hacen.
Mi hijo, que edita fils desde los doce años, se alegra al encontrar fuentes desde sus laptop o desde donde sea y mezclarlas todas juntas. A él no le importa la validez de la fotografía o si el medio está cambiando y muriendo. A él no le importa; y no le es relevante para nada. A la edad de cincuenta y uno, y por 25 o 30 años, he sido realmente pesado con la historia de la fotografía porque ha sido mi pasión. También estoy ligeramente cargado con la compresión de que este medio está cambiando, así que pienso que es verdaderamente fundamental que yo elimine cualquier noción romántica o personal que tenga con la fotografía como el negativo, transparencias, impresiones, libros, cualquier cosa. Esas cosas no impiden que las personas creen ahora, quienes estén en su adolescencia, o lo que sea, ellos no tienen un problema con eso porque ellos simplemente lo hacen.





No sé si traducirle de mi libro y postearle libremente sea piratería. Ojalá el  Sr Benedikt se de cuenta y me envíe libros para compartirles aquí.
Si alguien quiere copiar y pegar esta conversación en su blog, bien pueda y aunque no pido créditos por traducción, sería de 100 si lo hacen.

Con el triunfo de 'The Artist' anoche, en los Premios de la Academia queda más que claro que estas dos décadas del nuevo milenio, serán recordadas como precursoras de un fenómeno cultural basado en la nostalgia. De hecho, este post estaba destinado a ser, sólo, si 'The Artist' ganaba.

El triunfo de 'The Artist', más allá de ser una película preciosísima con una musicalización soberbia, reside en ser un reflejo de la manifestación que se vive en la generación presente: la oda al pasado, que no es sino, la admiración que parecen sentir las personas de ahora hacia aquellos que se atreven a traer de vuelta lo que ya se hizo. Como si el pasado fuera el futuro.

Las revistas, cada mes de cada año lanzan los eternos "revivals". Los 60's nunca morirán, ni los 80's ni el minimalismo de los 90's mientras estas no dejen de resucitarles constantemente como si no hubieran más alternativas por explorar. No hay espacio para la creación porque hoy todo es innovación, escudándose en que "ya todo ha sido creado" pero nadie se atreve a dar fe de aquella máxima porque hoy se vive como en 'The Artist', en silencio.

Pertenecemos a los Millenials, por ende, somos víctimas de las nuevas tecnologías, de herramientas que supuestamente nos facilitan el acercamiento cuando en realidad nos están alejando abismalmente; reemplazamos el contacto físico por emoticones, sustituimos expresiones por signos fríos en caracteres impronunciables y cada día involucionamos porque vivimos recordando con nostalgia el pasado por internet y está bien, porque así nos acercamos al pasado de no futuro.

Si el internet fuera un rio, seguro su dueño fuera Hades. Sería tal vez el rio 'Cocito', el de las lamentaciones; donde las almas lloran por su presente y se refugian en su pasado, en lo que se hizo, en lo que supuestamente fue bello. Navegar por el internet es atestiguar como se ha magnificado el antaño y paradójicamente se ha idealizado, por la inexplicable incoformidad en que se vive actualmente aún cuando esta es, tal vez, la generación más mimada en la historia.

El futurismo es cosa del pasado, las nuevas tecnologías son para los nerds y con tutoriales son facilísimas de manejar, dicen. Entonces preferimos las tintas desfasadas de una revista hecha en photoshop CS5, las veladuras de una fotografía análoga o polaroid hechas con la última versión del iPhone y a 'Lana Del Rey' o 'El Gincho' en un video con estética vintage, que hemos subido a nuestro tumblr (que es lo de hoy) a través de nuestro android o ipad.

TUMBLR, la red social-no social del momento se alza como portavoz de este fenómeno nihilista, al seducir a casi todos a que se hagan con una cuenta. Jóvenes y viejos, famosos y no-famosos tienen un tumblr y a modo moodboard van colgando imágenes que suelen ser scans de revistas viejas, fotografías vintages de hombres osos, capturas de programas de los 90's y gifs de películas clásicas de los 80's. Tumbleros de menos de 18 años se han hecho famosos por correr un tumblr dedicado a la moda de los 90s, que haciendo cuentas, no coincide con su época. Y es aterrador pero eso a nadie le importa y nadie dice nada, porque hoy se vive como en 'The Artist', en silencio.

Hasta el día de hoy nadie sabe cuál es la finalidad de tumblr, porque no tiene; no hay un fin social ni pedagógico. Supuestamente busca expandir la cultura visual, pero tal vez, su única finalidad, es la de crear una raza donde el síndrome del túnel carpiano sea tan común como una tos por el excesivo scrolling que hay que hacer.

A partir de 'tumblr' se alzan también los memes, que si bien no son originarios de esta red, son propagados a modo record en la misma creando consigo, movimientos que algunos han considerado estilísticos, como un "naif desvergonzado y de bajo presupuesto" que son trazos digitales que simulan un rayón con lapiz y dibujos propios de la infancia. También los 'demotivators' entran con fuerza con fotografías que suelen evocar el pasado y una línea que le refuerza.

A primeras no parecería haber un problema pero, la gente se está olvidando de expresarse libre y subversivamente al reemplazar su pensamiento, sus letras, por una imagen que les alegra, recuerda y que representa el momento por el que pasan, pasaron o pasarán. Pereza en 72dpi. Definitivamente hoy se vive como en 'The Artist', bailando y llorando en silencio.

Somos tendencia que emula, que canaliza, que copia, que se queja, que se calla, que reemplaza y que no propone. Somos paradoja en carne propia. Somos collages del pasado. Vivimos en el pasado pero llegamos a él por medio de la tecnología de punta. Somos recuerdos porque de eso nos alimentamos y así seremos recordados, como pastillas de fantasía para combatir el alzheimer porque, si no podemos recordar lo que vivimos, por lo menos recordamos lo que hubiéramos vivir.

Alexander McQueen
1969 - 2010

Desde hace hace unos años, Riccardo Tisci está gozando de un éxito profesional comparable al de los grandes diseñadores de antaño y no tan antaño. Si bien, desde sus inicios, se ha destacado por su impecable e innovador trabajo, su nombre y su estela de repente, parecen estar en boga y él no parece mostrar intención alguna de detener tal fenómeno; el fenómeno Tisci.

Gracias a la mezcla de modernidad que exudan las piezas que diseña, junto al romanticismo y la espiritualidad que parece impregnarles como si, precisamente, fueran objetos de adoración ha conseguido que famosos, no-famosos, ricos y pobres se tengan que hacer con algún Givenchy para portarle con regocijo como un ferviente religioso llevaría una cruz en su cuello, haciendo de su persona, deidad de la moda que se puede dar el lujo de decir "que ha tocado el cielo".

Sus últimas colecciones de alta costura le han elevado al título de "estrella de la moda" y ha logrado ganarse el corazón de muchos que parecían escépticos con sus propuestas, incluyéndome. Sus colecciones, temporada tras temporada se han convertido en aciertos y se han ganado la aprobación de la prensa por el manejo conceptual, los procesos de fabricación que van desde la artesanía a los más tecnológicos y el aplique de estampados en sus prendas que parten desde inspiración peruana hasta la estrella pin-up, Betty Page. Gracias a Riccardo, Givenchy se salvó de quedarse atrapado en los comerciales de 'Very Irresistible' y pasó a ratificar la historia de la firma francesa.

Desde el retiro del fundador de la casa, Monsieur Hubert, 3 diseñadores mantuvieron el legado antes que Tisci se apoderara: John Galliano, Alexander McQueen, y Julien Mcdonald. La diferencia de Tisci con los antecesores parte de que, el diseñador, ha sumido en la oscuridad romántica a una casa que se caracterizó por ser ultrafemenina y ligera. Y como no, si la mejor amiga de M. Hubert era la ultrafemenina Audrey Hepburn, quien se inmortaliza en aquella famosa escena de 'Breakfast at Tiffany's' en un vestido de su amigo, comiéndose un croissant y morboseando diamantes.
McQueen -quien me parece que hizo un trabajo extraordinario y más allá de su tiempo, como visionario que fue- también logró mostrar algo de oscuridad pero desafortunadamente su trabajo no fue valorado en su momento.

La mejor amiga del actual director creativo, en cambio, es la aclamada, respetada y considerada "abuela" del performance, Marina Abramovic cuya presencia y amistad ha influenciado la dirección que está tomando la casa para el mundo. Givenchy es hoy oscuro, religioso, espiritual y evidentemente, político. Es un rio de ambigüedades que hace declaraciones en sus presentaciones prêt-a-porter, muy disimuladas pero muy presentes y paradójicamente hace que facturen por los cielos.

De lejos no parece que haya malo en lo que hace Riccardo, que a final de cuenta es vender. El problema viene a partir de lo "reconocible" que se está haciendo con sus estampados, más la saturación en las revistas, hacen que su intención de crear el "must-have" de la temporada se convierta en un arma de doble filo porque, la temporada siguiente serán consideradas "passé". Sus prendas están programadas para durar 3 meses. Obsolencia programada. Entonces se ve obligado a auto-presionarse (a menos que lo hagan los dueños de la firma) a crear todo el tiempo la camiseta del momento, con perros, plantas o una imagen de Jesus en éxtasis mientras se masturba.

El no-problema es que parece que esto no parece preocuparle a Riccardito y menos ahora, que se anotó un hit que superó al de todos los diseñadores del mundo: el vestir a la reina del pop, Madonna, en una de sus creaciones para la presentación del superbowl, que desde ya ha sido la actuación más vista en la historia del mundo por siempre jamás, consiguiendo que 140 millones de personas le sintonizaran. Si eso no es prueba de éxito, que baje Dios y lo vea. Porque, seguro Tisci ya tiene su jubilación facturada.

Lo cierto es que a Tisci se le han abierto las puertas, no sólo del cielo sino del deporte. Tal vez por eso el contexto de basketball en su presentación alta costura de otoño-invierto 12-13. No es de sorprender si algún día re-diseña el uniforme de los Lakers y al igual que hizo con Madonna, los enfunde en dorado, símbolo de espiritualidad, riqueza y humildad. Y si no me lo cree, que lo diga el muy humilde y espiritual Papa Benedicto.



Pd: Hablando de dorados, les presento mi cd 'Watch The Throne' de Kanye West y Jay-Z edición deluxe, diseñador por adivinen quién...? Y que me hace pensar que debo tachar mi primer punto de mi manifesto.